"L'art d'être heureux"

Les œuvres d’Art Brut sont réalisées par des créateurs autodidactes, des marginaux retranchés dans une position d’esprit rebelle ou imperméables aux normes et valeurs collectives, le concept de l'art Brut est que ces personnes aux esprits rebelles créent sans se préoccuper, ni de la critique du public ni du regard des autres. Ils créent sans besoin de reconnaissance ni d’approbation, ils conçoivent leur propre univers.

C’est au peintre français Jean Dubuffet que l’on doit le concept d’Art Brut. Il commence en 1945 une collection d’objets créés par des pensionnaires d’hôpitaux psychiatriques, des détenus, des originaux, des solitaires. Il ressent dans ces créations une « opération artistique toute pure, brute, à partir des propres impulsions du créateur ». La notion d’Art Brut joue sur des caractéristiques sociale et des particularités esthétiques.

En résumé Jean Dubuffet appelle Art-Brut l'invention innocente.

C'est en avril 1879 que Ferdinand Cheval, (facteur rural âgé de 43 ans), butte sur une pierre si bizarre lors de sa tournée qu’elle réveille un rêve. Il est un véritable autodidacte, il va consacrer 33 ans de sa vie à bâtir seul, un palais de rêve dans son potager, inspiré par la nature, les cartes postales et les premiers magazines illustrés qu’il distribue.

Il parcourt chaque jour une trentaine de kilomètres pour ses tournées en pleine campagne, il va ramasser des pierres de toutes tailles, aidé de sa fidèle brouette. En solitaire, incompris, il inscrit sur son monument " travaille d’un seul homme". Son palais de rêve est achevé en 1912.

 C'est au coeur de son jardin luxuriant qu'il imagine ce palais inhabitable, peuplé d’un incroyable inventaire animalier ; pieuvre, biche, caiman, éléphant, pélican, ours, oiseaux… Mais aussi des géants, des fées, des personnages mythologiques et des cascades, des architectures de tous les continents. Une oeuvre architecturale aussi inclassable qu’universelle.

 L'oeuvre de Ferdinand Cheval est situé à Hauterives en France.Il est classé depuis le 2 septembre 1969, au titre des monuments historiques. André Malraux a appuyé la procédure de classement avant son départ du gouvernement, contre l'avis défavorable de la plupart des fonctionnaires du Ministère de la culture qui écrivent dans un rapport daté de 1964 : « Le tout est absolument hideux. Affligeant ramassis d'insanités qui se brouillaient dans une cervelle de rustre ». Malraux déclare pour sa part qu'il considère le Palais idéal comme « le seul représentant en architecture de l'art naïf ». Alors que le Palais est mis en gérance par les deux petites filles du facteur Cheval à sa mort, la première décide en 1984 de léguer sa part du Palais à la commune de Hauterives. Dix ans plus tard, sa seconde petite fille vend sa part à la commune qui est ainsi propriétaire du palais depuis 1994.

Ferdinand Cheval n'a ni demandé de l'aide ni des conseils, il s'est inspiré lui-même de sa mémoire et de sa fantaisie pour créer cet édifice. Il n'a pas copié un autre sculpteur il n'y connaissait rien du tout, il a juste créé de façon innocente, son œuvre n'est que l'interprétation d'un rêve, source d'évasion 

“Pour finir je vous dirai que je m’occupe toujours de peinture et qu’il y aurait des trésors à emporter de ce pays-ci qui n’a pas trouvé encore un interprète à la hauteur des richesses qu’il déploie”. C'est ainsi que Cézanne décrit Gardanne à son ami Victor Chocquet le 11 mai 1886 à Gardanne alors qu'il s'y est installé depuis 1ans.

Il va peindre dans la campagne : à Payannet, au Ribas, route de Mimet, à la colline des frères... il se déplace avec son matériel dans une petite charrette tiré par un ânes.

Il reçoit à Gardanne, en avril 1886 le roman de Zola “l’Œuvre” où il se reconnaît dans le peintre raté. Il est blessé par l’écrivain mais il le gardera toujours dans son cœur puisqu’à l’annonce de la mort de Zola, il s’enferme dans son atelier pour pleurer toute une journée la mort de son ami.

Gardanne permet à Cézanne de travaillait les dimensions et l'architecture de provence, Cézanne ne dessine et ne peint pas d'habitant sur ces toiles il s'interresse aux vestiges batis qui ne risque pas de disparaître avant un moment.

A la mort de son père en 1886 il s’installera au Jas de Bouffan dans la demeure familiale. Gardanne aura été pour lui une période sereine où il se mêlait volontiers aux habitants.

Il se faisait accompagner en voiture à cheval, puis randonnait jusqu'à trouver l'endroit parfait. Ce n'était pas un probléme pour lui de dormir à même le sol, sur une paillasse, il appréciait la vie simple des paysans. Il se nourrissait de presque rien pendant ces ballades pour peindre, de quelques noix une bouteille de vin rosé et un peu de fromage.

Quand on regarde une œuvre de Cézanne à Gardanne, on se trouve nous-même en ballade avec lui, il faut errer sur la toile comme lui à travers ses peintures !

Cézanne nous montre son côté artistique, mais aussi sa facon d'être, son style décrit son caractére, presque perdu à travers les collines et les montagnes, il réussi à en tirer des œuvres sincéres.

L’art-thérapie est un concept (reconnue par la communauté scientifique depuis les années 80) qui mêle la psychologie et le développement personnel à travers l’art. L’objectif de l’art thérapie est d’utiliser l’expression artistique d’une personne, qu’elle soit dépressive, souffrante de solitude, de dépendance… pour l’aider à retrouver une sérénité, un bien-être. 

La création artistique permet d'accéder à des sentiments enfouis, des émotions refoulées, d'exprimer ses colères et ses tristesses, ainsi, le patient tend à une transformation positive de lui-même. Le patient doit laisser faire parler son corps sans mobiliser son cerveau.

L’art-thérapeute joue le rôle de guide pour le patient dans sa prise de conscience personnelle, en l’assistant, le patient exprime sa créativité, extériorise son mal-être. La création produite par le patient n’est pas interprétée par le thérapeute, mais il va guider le patient vers ce que son inconscient lui dit. Il est donc évident que la réelle écoute du thérapeute est indispensable pour ne pas influencer le choix du patient par exemple concernant l’atelier qu’il veut faire, en effet, la création artistique se révèle thérapeutique lorsqu’il est consenti. Bien que dans l’art thérapie l’expression artistique est centrale à la démarche de guérison, elle comporte aussi une dimension verbale, en effet, avant le travail de création, le thérapeute cherche par la communication, à définir les motifs et les objectifs qui amènent le patient à suivre une thérapie afin de mieux le guider et d'optimiser les conditions pour le libérer de ses maux.

L’art est donc utilisé comme moyen de communication et d’expression, d'une redécouverte grace à la création artistique. En effet, c’est bien cette capacité de créer et d'imaginer qui fait que la vie devient plus joyeuse et plus simple aussi .

L’art thérapeutique permet une guérison intérieure dans un endroit chaleureux, qui ressemble plus à un réel atelier d’art qu’à un cabinet de thérapeute. Puis, il lui donne des conseils d'ordre technique relatifs aux matériaux choisis et l'encourage à s'exprimer en représentant sur un support, ce sur quoi il a décidé de se débarrasser. La quête du bonheur passe avant tout par un grand vide et par une sorte d'équilibre intérieur, l'art thérapie est un moyen d'atteindre cet équilibre et cette état de plénitude qu'est le bonheur, en permettant à celui qui le pratique, d'exprimer et d'extérioriser le mal qui ferme les portes au bonheur.

Le rap est une forme d'expression vocale, qui fait parti de l'un des cinq piliers du mouvement culturel et musical « Hip-Hop», qui a émergé au milieu des années 70 dans les ghettos aux Etats-Unis.

Le rap consiste le plus souvent à enchainé des couplets rimés séparés par des refrains, accompagnés de rythmes. Ayant été influencé par d'autres genres musicaux (reggae, blues, et jazz), le rap acquiert une popularité de plus en plus grande au fil des années 1980.

Le mot « rap » provient de l'anglais to rap, un verbe signifiant « bavarder, blâmer, baratiner »

Les premiers Mc se vantaient d'accorder leurs syllabes avec le beat en « rythme » et «poésie» car le rap est un canal pour l'expression de ses sentiments ou de ceux des autres, d'une vérité ou d'un trip, de nos envies ou encore de montrer qu'on est supérieur, (égotrip). Ils parlaient donc de « rythme et poésie » pour le fait d'assimiler les deux et de partager ses émotions sur une ligne musicale

L'âge d'or, c'est donc l'émergence à New York des duos DJ-MC comme Gang Starr (DJ Premier et Guru), Eric B & Rakim et Pete Rock & CL Smooth et en Californie d'une nouvelle scène Gangsta avec surtout les NWA. À Los Angeles, le groupe de rap NWA est fondé parDr. Dre, Ice Cube, Easy E et MC Ren et DJ Yella en 1986, il sévit jusqu'en 1991 après avoir révolutionné le rap. Alors que le rap new-yorkais produit un rap teinté de soul et de jazz tourné vers le conscient, les NWA créent le gangsta rap. Il s'agit de raconter leur vécu : les violences policières, les guerres de gangs, et de représenter leur ville Compton.

Le Lien avec notre sujet est simple, une personne peut ressentir du plaisir quand il exprime son opinion, ses pensées et avis sur un support musicale. Prenons l'exemple de NWA, ce crew d'Mc ont créé un style d'expression(souvent aggressif) sur support audio. Ces artistes ressentaient une haine face aux traitements brutaux de la police de Los Angeles de l'époque. Ce qui s'est passé ensuite ne nous interresse pas mais ces jeunes artistes ont réussi là où tout le monde avait échoué.. Ils ont réussi à affirmé leurs opinions politiques sur cassettes à la radio aussi (ce qui leur ont values une accusation pour incitation à la violence avec leur titre « F***daPolice ») ils ce sont battus pour affirmer leurs idées et ils sont arrivés au sommet de leur Art dans les années 90.

L'expression est une thérapie, plusieurs thérapies sont basées sur l'expression comme « L'art Thérapie » par exemple. Le concept de la thérapie en groupe consiste à se dévoiler, à d'exprimer les malaises, les problémes, ce qui fait obstacle au bonheur et le simple fait de l'exprimer procure un sentiment de liberté qui se rapproche vers le bien-être.

Le Rap est une façon d'accéder à l'état de plénitude, de se vider l'esprit ou bien juste de faire le point sur sa vie.

Les œuvres d'Art Brut sont réalisées par des créateurs autodidactes, des marginaux retranchés dans une position d'esprit rebelle ou imperméables aux normes et valeurs collectives, le concept de l'art Brut est que ces personnes aux esprits rebelles créent sans se préoccuper, ni de la critique du public ni du regard des autres. Ils créent sans besoin de reconnaissance ni d'approbation, ils conçoivent leur propre univers.

C'est au peintre français Jean Dubuffet que l'on doit le concept d'Art Brut. Il commence en 1945 une collection d'objets créés par des pensionnaires d'hôpitaux psychiatriques, des détenus, des originaux, des solitaires. Il ressent dans ces créations une « opération artistique toute pure, brute, à partir des propres impulsions du créateur ». La notion d'Art Brut joue sur des caractéristiques sociale et des particularités esthétiques.

En résumé Jean Dubuffet appelle Art-Brut l'invention innocente.

C'est en avril 1879 que Ferdinand Cheval, (facteur rural âgé de 43 ans), butte sur une pierre si bizarre lors de sa tournée qu'elle réveille un rêve. Il est un véritable autodidacte, il va consacrer 33 ans de sa vie à bâtir seul, un palais de rêve dans son potager, inspiré par la nature, les cartes postales et les premiers magazines illustrés qu'il distribue.

Il parcourt chaque jour une trentaine de kilomètres pour ses tournées en pleine campagne, il va ramasser des pierres de toutes tailles, aidé de sa fidèle brouette. En solitaire, incompris, il inscrit sur son monument " travaille d'un seul homme". Son palais de rêve est achevé en 1912.

C'est au coeur de son jardin luxuriant qu'il imagine ce palais inhabitable, peuplé d'un incroyable inventaire animalier ; pieuvre, biche, caiman, éléphant, pélican, ours, oiseaux... Mais aussi des géants, des fées, des personnages mythologiques et des cascades, des architectures de tous les continents. Une oeuvre architecturale aussi inable qu'universelle.

L'oeuvre de Ferdinand Cheval est situé à Hauterives en France.Il est é depuis le 2 septembre 1969, au titre des monuments historiques. André Malraux a appuyé la procédure de ement avant son départ du gouvernement, contre l'avis défavorable de la plupart des fonctionnaires du Ministère de la culture qui écrivent dans un rapport daté de 1964 : « Le tout est absolument hideux. Affligeant ramassis d'insanités qui se brouillaient dans une cervelle de rustre ». Malraux déclare pour sa part qu'il considère le Palais idéal comme « le seul représentant en architecture de l'art naïf ». Alors que le Palais est mis en gérance par les deux petites filles du facteur Cheval à sa mort, la première décide en 1984 de léguer sa part du Palais à la commune de Hauterives. Dix ans plus tard, sa seconde petite fille vend sa part à la commune qui est ainsi propriétaire du palais depuis 1994.

Ferdinand Cheval n'a ni demandé de l'aide ni des conseils, il s'est inspiré lui-même de sa mémoire et de sa fantaisie pour créer cet édifice. Il n'a pas copié un autre sculpteur il n'y connaissait rien du tout, il a juste créé de façon innocente, son œuvre n'est que l'interprétation d'un rêve, source d'évasion.

En début d'année de BTSA GPN, dans le cadre de notre voyage d'intégration, nous avons, accompagnée de notre professeur d'éducation socio-culturelle et notre professeur de biologie, eu l'occasion d'aller passer quelques jours dans un centre d'accueil "La fontaine de l'ours" situé dans la ville d'Auzet. Nous avons eu également l'occasion d'aller visiter une oeuvre d'Andy Goldwworth "Le Refuge d'Art"

Le refuge d'art se situe entre la Provence et les Alpes, occupé aux deux tiers par des espaces naturels, c'est un territoire caractérisé par une diversité paysagère (crêtes calcaires, gorges étroites et sauvages, reliefs ravinés des marnes noires...) et sa richesse géologique. D'ailleurs, cette multitude de sites géologiques sont à l’origine de la création en 1984 de la réserve géologique de Haute-Provence.

Le Refuge d'Art est une seule œuvre d’art conçu par l'artiste Andy Goldsworthy. Cette oeuvre est assez originale car elle se parcourt, en une dizaine de jours de marche sur 150 km. Cette oeuvre en pleine nature réunit l'art contemporain, la randonnée et la valorisation du patrimoine naturel et culturel.

Vous pouvez découvrir le "Refuge d'Art" dans le cadre d’une randonnée itinérante ou alors, ils peuvent randonner en étoile, chaque site étant accessible au départ d’un parking. Vous pouvez également être accompagné par des guides pour enrichir ce parcours artistique de leurs connaissances en géologie, botanique, histoire locale... Lors de la randonnée, on réalise rapidement qu’il s’agit d’une nature sauvage ou de nombreuses ruines de villages perchés viennent nous rappeler que ces montagnes étaient auparavant peuplées et que la vie n’a pas toujours été cloisonnée en fonds de vallées. Cette randonnée est de relier à pied les cairns et les vallées (Vallée du Bès, du Vançon, de l'Asse). L'oeuvre d'Andy se découvre au fil des jours, au rythme souvent d’un refuge ou d’une sentinelle par journée de marche. Mais qu'est-ce qu'une sentinelle? Ce sont des cairns ovoïdes en pierre sèche, arrondis à la base, ventrus au centre et pointus au sommet. Ils ont une forme de cône d'environ trois mètres de haut, ils sont situés au bord d'une route.

«La sculpture ici ce n’est pas seulement la pierre, c’est la maison, c’est tout le parcours » [Andy Goldsworthy]

Vous pourrez également voir sept « refuges d’art » nichés en pleine nature ou Andy à laissé sa trace d'ingénuisité, une sculpture est installée dans chaque site. Du fait de leur localisation, l’art contemporain ne s’expose pas, il se révèle à qui se donne la peine de venir le découvrir. Vous pourrez voir apparaitre les vestiges du Vieil-Esclangon. Des pans de maisons en ruine, un lavoir et un cimetière sont témoins de la vie passée de ce village déserté. Dans le refuge aux pierres immaculées, Andy s'est exprimé en façonnant une bande d’argile serpentant en haut-relief le long du mur. Et là, on peut se laisser cours à son imagination. De part l'originalité de l'oeuvre, la sensibilité est augmenter par la marche, le randonneur devient à son insu à la fois acteur et spectateur. 

«Lorsque l’on monte en direction de la maison, sur un chemin sinueux, on a la couleur rouge dans le regard et la couleur rouge sur les pieds. On arrive alors dans la maison et on regarde ce mur avec cette ligne rouge et sinueuse. Je pense que ce sera un formidable écho à la randonnée» [Andy Goldsworthy]

Cheminer dans un musée à ciel ouvert, telle est la proposition séduisante des refuges d’art! L’aventure d'Andy Goldsworthy commence en 1994, lorsque Nadine Gomez, conservatrice du Musée Gassendi, a invité l’artiste à composer des œuvres éphémères, désireuse de développer l’art contemporain, en lien avec le territoire. Cette oeuvre d'Andy fait ressentir un sentiment d'avoir vécu une expérience pleine et fabuleuse, ou le mélange de l'art et la nature rende heureux et passionne Andy goldsworthy.De plus, la présence de cette merveilleuse oeuvre d'Andy, le territoire est revaloriser et permet a plusisuers familles de passés un exelent moment, ou le bien-être et la joie sont au rendez-vous. 

Andy Goldsworthy est un sculpteur et photographe britannique âgé de 61 ans, il appartient au courant artistique du land-art, il en est d'ailleurs l'un des principaux représentants. Le land-art est l'art d'utiliser les matériaux présents dans la nature comme outils artistiques : feuilles, tiges, fleurs, branchages, lichens, neige, glace, pierres, sable, argile, bois ou galets sont juxtaposés, assemblées et arrangés pour former des oeuvres exceptionnelles. Sa démarche artistique a était influencé par son enfance, en effet son travail dans des fermes du Yorkshire à l'âge de 13 ans lui a permis de découvrir la beauté des matériaux naturels façonnés par l'Homme, comme par exemple, les sillons dessinés par le tracteur lors de son passage. Les traces que conserves la nature l'ont fasciné, c'est à partir de ce moment qu’il a commencé à concevoir la nature et l’art. Il a donc voulu à son tour laisser sa trace, son travail et surtout son art : des sculptures et constructions artistiques, non polluantes et 100% naturelles !

La nature est son lieu de travail et d'exposition, bien qu'il ait réalisé à l'occasion certaines œuvres à l'intérieur de bâtiments, musées ou galeries : par exemple, le mur d'argile à Digne (que nous avons eu l'occasion de visiter ^^). Il utilise des matériaux naturels trouvés sur place pour réaliser ses oeuvres d'art, car oui, même en pleine nature l'art est présent. Ses oeuvres embellissent et mettent en valeur l'environnement dans lequel elles se trouvent. Pour aller un peu plus loin, ses oeuvres font ressortir et ressentir le caractère de l'environnement. Andy Goldsworthy considère ses œuvres comme de '' l'art éphémère '', en effet, ses oeuvres sont exposées aux élèments et sont donc fragiles, certaines ont même disparu. Le temps de dégradation n'est jamais le même : les sculptures de glace qui ne durent qu'une saison, les sculptures de sable sur une plage disparaissent à la première marée...

Il ne reste que leur souvenir photographique, de ce fait la photographie joue un rôle important pour conserver les traces de ses oeuvres. Selon Andy, ses oeuvres «sont des composantes intégrales d'un cycle que le photographe montre à leur point culminant, balisant le moment ou l'oeuvre est la plus vivante»

 Pour ses création, Andy Goldsworthy n'utilise généralement pas d'autres outils que ses propres mains et dents, des outils improvisés et éventuellement un opinel. Il lui est arrivé de faire appel à de la machinerie lourde ou légère pour réaliser des œuvres d'envergure et permanentes (par exemple les cairns les plus grands ou des sculptures comme Roof, Stone River...). Les oeuvres d'Andy Goldsworthy sont simples et géométriques mais toujours d’une ingénuosité remarquable. 

Il est motivé par un désir de comprendre la nature dans sa croissance et son déclin. Son intention n'est pas d'apposer sa marque sur le paysage mais de travailler instinctivement avec lui. Une citation résume bien sa vision : « Mouvement, changement, lumière, croissance et altération sont l'âme de la nature, les énergies que j'essaie de faire passer à travers mon travail » . Les idées de sa démarche sont la croissance, le changement, la transformation et la temporalité. Il réussis à dégager tout ce qui est beau dans la nature.Le titre de ses oeuvres à de l'importance pour lui et il essaye de les rendre poétique et surtout, en lien avec l'oeuvre et l'environnement dans lequel elle se situe.

Andy trouve son bonheur et prend plaisir à transposer sa vision de l'art au sein de la nature. 

Titre original : Exit Through the Gift Shop

Durée 87min - Film Américain et Anglais

Produit par : Paranoid Pictures Film

Sortie le 15 décembre 2010

 Thierry Guetta mène une belle carrière dans le domaine du commerce à Los Angeles, il trouve l'idée d'acheter des vêtements démodés, et jetés aux oubliettes, pour les revendre dans ses magasins à un prix différent qu'au départ mais sous le design « Vintage » .

Un jour, il fait le pari de changer de vie : Il est introduit par son cousin « Space Invader » dans le monde fermé du street-art et de ses artistes, et de son représentant le plus légendaire, le graffeur/tagueur Banksy. Les messages peints ou graffés sont clairs et dénoncent l'omniprésence de la publicité et de la société dans le monde ou encore les créations toujours plus «  moche » d'immenses immeubles qui dénaturent les villes. Thierry Guetta finit par arriver à persuader l'Anglais moyen que ce n'est finalement pas les graffeur/taggeur mais bien les publicitées et les immeubles qui dénaturent les villes.

La bande sonore du film reste à peu près la même, du début jusqu'à la fin du métrage, on entend le plus souvent l'enregistrement vidéo de la caméra d'époque de Thierry Guetta, et sa voix-off, qui raconte son épopée le plus justement et véritablement possible. Une interview de Banksy se déroule en plusieurs parties. Il argumente l'avancée de son ami à la caméra tout au long du film et donne son avis négatif au premier visionnage du court-métrage de Thierry , qui fut une catastrophe.

 On suit au départ Thierry, qui passe son temps à filmer sa famille, ses enfants avec sa caméra, puis plus loin dans le film, il accompagne son cousin dans le monde du street-art, mais il n'est pas vraiment accepté car c'est un monde assez dangereux et détenir une preuve filmée est risqué. Au fur et à mesure que thierry film, les artistes oublient même qu'ils sont filmés.

Il s'intéresse beaucoup à cet Art (dénigré par le peuple comme étant du vandalisme), et il s'intéresse particulièrement au légendaire Banksy, avec qui il devient ami par le plus grand des hasards.

Après quelques semaines passées auprès de Banksy, Thierry Guetta se lance lui-même dans le street-art et se donne le surnom de « Mister Brainwash » ou « MBW ».Il se donne le projet de monter lui-même son exposition intitulée : « Life is Beautiful » à L.A, qui devait être ouverte cinq jours et qui finalement resta ouverte durant deux mois. Un triomphe pour l'artiste qui c'était blessé à la jambe quelques jours avant l'ouverture dès son exposition. Lui qui n'a pas eu besoin comme la plupart des artistes de gravir les échelons pour atteindre une once de notoriété.

Ce film est un moyen d'imager les émotions ressenti par l'artiste (dans ce cas ci un street-artistre) lorsqu'il exprime son idée, sa vision, sur un mur, un toit, toutes matiéres stables et immobiles. Surtout pour le street-art, car il cibles des surface visibles à la vue de tous et souvent en hauteur, des endroits à aux risques ! La morale du film réalisé par Banksy est que quiconque veut créer peut créer, ce qu'à fait Thierry dans son aventure n'est que de changer la vision d'un art nuisible jusqu'à le rendre appréciable (et même couteux).

Aujourd'hui Thierry Guetta vend toujours ses toiles plusieurs milliers de dollard et continue à se faire appeler M. BRAINWASH.

Bonjour heureux lecteurs,

En dehors de tous les articles que Baptiste et moi mettons sur le blog je voulais vous écrire mon ressenti sur un film que j'ai regardé aujourd'hui et que j'ai énormément aimé. C'est le 133e long-métrage d'animation des studios Disney, et j'adore les films Disney !!

J'ai regardé Vice Versa, il raconte la jeunesse d'une petite fille qui s'appelle Riley, elle vit dans le Minnesota avec ses parents. Une belle et heureuse famille. Un jour cette famille va déménager à San Francisco, Riley et ses parents vont devoir s'adapter à leur nouvelle vie, nouvelle école pour Riley, de nouveaux amis, une nouvelle maison... Riley est guidée par ses Emotions incarnées par des petits personnages, tous très originaux, qui résident dans le quartier  cérébrale dans le cerveau de Riley. Ils ont le contrôle de son esprit, de ce fait, ils contrôlent ses réactions, ses humeurs, ses ressentis. Sa vie pour faire plus court. Dans le quartier général,  Joie, Peur, Colère, Dégoût et Tristesse vivent ensemble et se concertent pour le contrôle de l'esprit de Riley. Les souvenirs de riley sont tous stockés, les moins importants dans la mémoire à court terme, et les plus importants dans la mémoire à long terme. Les souvenirs vraiment vraiment importants sont stockés dans la mémoire centrale. Les souvenirs arrivent dans le quartier cérébrale sous forme de boules, chacune d'une couleur différente selon l'émotion contenue dans ce souvenir : jaunes pour Joie, violettes pour Peur, rouges pour Colère, vertes pour Dégoût et bleues pour Tristesse. Jusqu'à présent, ses souvenirs les plus importants étaient tous jaunes. Mais voilà qu'un souvenir bleu (celui de son premier jours d'écoles lorsqu'elle se présente au reste de la classe) risque d'aller rejoindre la mémoire centrale. Joie tente de le bloquer et se dispute avec Tristesse, mais toutes deux sont par accident expulsées du Quartier cérébral par accident, laissant Riley entre l'attitude rebelle de Dégoût et de Colère et le comportement pessimiste de Peur...

Je ne vais pas vous raconter tout ce qui se déroule lors du voyage de Joie et Tritesse et ce qui se passe dans la vie de Riley. Pour les plus curieux qui voudront regarder ce film ;)

J'ai vraiment aimé le scénario de ce film. Petit retour en enfance, je me suis moi-même imaginé qu'elle apparance pourrait avoir mes Emotions. A la fin du film, Riley rentre de sa petite fugue, à ce moment Tritesse prend le contrôle de la situation soutenue par Joie. C'est donc avec de la tristesse que Riley explique à ses parents que tout va mal car sa vie d'avant dans le Minnesota lui manquer beaucoup et qu'elle souhaitait plus que tout y retourner. Pour retrouver une vie pleine de bonheur. Ses parents comprennent leur petite fille et la prennent dans leur bras. A partir de ce moment, tout va mieux dans le quartier cérébrale, tout est réparé. Riley grandis, et ses Emotions ont désormais une console nouvelle génération avec plus de fonctionnalités et de modalités (bouton rouge PUBERTY, Colère à accès à une liste de gros-mots, l'île de l'amitié s'est agrandi...)

Je voulais joindre ce film à notre problématique car pour moi la morale du film est que parfois, des moments de tristesse sont nécessaires pour faire le vide dans son esprit, lâcher et exprimer toutes les choses qui nous font du mal, ce que l'on ressent. On se sent alors plus apaisé, vidé de maux. Nous avançons donc dans la vie et pouvons avoir une vie heureuse pleine de bonheur même avec des moments et des souvenirs tristes.

Nous cherchons tous le bonheur, que ce soit au sujet de notre vie ou ce que nous espérons pour nos proches. Le bonheur peut se trouver partout, et pourtant beaucoup pensent qu'il se trouve seulement dans un lieu ou dans une activité précise. Le bonheur est un état de plénitude et agréable ou les soucis et le mal-être n'existent pas. La quête du bonheur et du bien-être est le but pour beaucoup de personnes. Quelle ce soit la vie que nous menons, nous aspirons tous à une vie meilleure.

Nous avons voulu lier la notion du bonheur à celle de l'art. L'art est l'un des nombreux moyens d'extérioriser des sentiments enfouis, des maux pour avancer dans la quête d'une vie meilleure. Officiellement, il y a sept arts : L'architecture, la sculpture, la peinture, la musique, la littérature, l'art de la scène et le cinéma. Mais en réalité, le bonheur dans l'art et la création peut se trouver dans beaucoup plus que sept disciplines. 

Tout le monde peut utiliser l'art pour exprimer ses sentiments qu'ils soient bons ou mauvais, et chaque personne est libre de choisir dans quel domaine. Pour certains c'est la nature, pour d'autres le sport...

                                    « Comment le bonheur peut se matérialiser en arts ? »

Vous pourrez sur ce blog, lire des articles que Baptiste et moi publierons en lien avec notre problématique :)